Los 90: ¿La década que no encaja?
A diferencia de la mayoría de las otras épocas, la noción de música de los 90 es difícil de precisar. Extraña y ecléctica, la década desafía la categorización fácil, pero es esta polinización cruzada de sonidos lo que dejó un legado que rompe los límites que permanece hoy.
En A Hard Day’s Night , la excepcional y alocada película de 1964 protagonizada por The Beatles , un periodista le pregunta a Ringo Starr : “¿Eres un mod o un rockero?” Se refiere a las subculturas musicales británicas en guerra desde hace mucho tiempo, también capturadas con ansiosa sinceridad una década más tarde en The Who ‘s Quadrophenia . El baterista de los Beatles responde con un acrónimo bastante hábil: “Um, no, soy un burlón”. El chiste es: no hay forma de que puedas ser ambos.
Pero, 30 años después, en el amplio paisaje sonoro que fue la industria de la música de los 90, tal postura parecería ridícula. La belleza de esa década fue que podías ser mod, rockero, explorador del hip-hop, fan del R&B y del country, todo al mismo tiempo. Porque la noción de lo que era la música popular había cambiado radicalmente.
Mientras lees, escucha nuestra lista de reproducción de música de los noventa aquí .
Vino el grunge
La bola curva más grande que nos arrojó la música de los 90 fue, por supuesto, el grunge. En el período previo a su punto de inflexión ( Nirvana ‘s No importa , la música basada en la guitarra) más o menos cayó en tres categorías: Rock alternativo, cartas de crédito de rock clásico y una escena del metal cabello ya con atenuación. Estaba tan perdido que 1989 también marcó el curioso año en que Jethro Tull ganó el Grammy al mejor hard-rock / metal .
Aún así, en ese momento, el impacto de MTV como árbitro de la cultura juvenil no podía subestimarse. El video de ‘Smells Like Teen Spirit’ de Nirvana se estrenó silenciosamente en 120 Minutes , el hijastro nocturno de la cadena, y fue casi exótico en su traición a las convenciones visuales del canal. Era oscuro, cínico y tan directo “Me importa un carajo” de una manera que los actos de hard rock conscientes de sí mismos de la industria fundamentalmente no lo eran. Pero lo que hace de Nirvana un gran microcosmos de la música de los 90 es que su sonido no tiene un alcance singular. Hacía referencia a todo, desde punk hasta garage rock, indie pop, country y blues.
El heavy metal no desapareció; que acaba de reconfigurar sí . Los actos más formidables ( Guns N ‘Roses , Metallica , Aerosmith ) trascendieron las modas, convirtiéndose en bandas de estadio. Aún así, en su mayor parte, los fanáticos del rock desviaron su atención hacia el grunge, con Nevermind y su seguimiento, In Utero , sirviendo como puerta de entrada a otras bandas relacionadas con la escena: ex compañeros de sello Mudhoney, el Soundgarden inspirado en el metal , clásico- los rockeros en ciernes Pearl Jam y la más sombría Alice In Chains. Por no hablar de los grupos Bush, Stone Temple Pilots y un rock previo al arte, Radiohead, que no son de Seattle, todos ellos esencialmente destilaciones de lo anterior.
El grunge estaba rotundamente dominado por los hombres. Independientemente, Hole (liderado por la esposa de Cobain, Courtney Love, una provocadora con una propensión a zambullirse en el escenario) logró beneficiarse enormemente de la popularidad del grunge. El álbum revolucionario del grupo, el lanzamiento con el nombre profético Live Through This , se lanzó en 1994, apenas una semana después de la muerte de Cobain. Celebrity Skin , su secuela de 1998, terminó siendo su álbum más vendido.
Los 90: ¿La década que no encaja?
A diferencia de la mayoría de las otras épocas, la noción de música de los 90 es difícil de precisar. Extraña y ecléctica, la década desafía la categorización fácil, pero es esta polinización cruzada de sonidos lo que dejó un legado que rompe los límites que permanece hoy.
Publicado en 10 de junio de 2019
En A Hard Day’s Night , la excepcional y alocada película de 1964 protagonizada por The Beatles , un periodista le pregunta a Ringo Starr : “¿Eres un mod o un rockero?” Se refiere a las subculturas musicales británicas en guerra desde hace mucho tiempo, también capturadas con ansiosa sinceridad una década más tarde en The Who ‘s Quadrophenia . El baterista de los Beatles responde con un acrónimo bastante hábil: “Um, no, soy un burlón”. El chiste es: no hay forma de que puedas ser ambos.
Pero, 30 años después, en el amplio paisaje sonoro que fue la industria de la música de los 90, tal postura parecería ridícula. La belleza de esa década fue que podías ser mod, rockero, explorador del hip-hop, fan del R&B y del country, todo al mismo tiempo. Porque la noción de lo que era la música popular había cambiado radicalmente.
Mientras lees, escucha nuestra lista de reproducción de música de los noventa aquí .
Vino el grunge
La bola curva más grande que nos arrojó la música de los 90 fue, por supuesto, el grunge. En el período previo a su punto de inflexión ( Nirvana ‘s No importa , la música basada en la guitarra) más o menos cayó en tres categorías: Rock alternativo, cartas de crédito de rock clásico y una escena del metal cabello ya con atenuación. Estaba tan perdido que 1989 también marcó el curioso año en que Jethro Tull ganó el Grammy al mejor hard-rock / metal .
Aún así, en ese momento, el impacto de MTV como árbitro de la cultura juvenil no podía subestimarse. El video de ‘Smells Like Teen Spirit’ de Nirvana se estrenó silenciosamente en 120 Minutes , el hijastro nocturno de la cadena, y fue casi exótico en su traición a las convenciones visuales del canal. Era oscuro, cínico y tan directo “Me importa un carajo” de una manera que los actos de hard rock conscientes de sí mismos de la industria fundamentalmente no lo eran. Pero lo que hace de Nirvana un gran microcosmos de la música de los 90 es que su sonido no tiene un alcance singular. Hacía referencia a todo, desde punk hasta garage rock, indie pop, country y blues.
El heavy metal no desapareció; que acaba de reconfigurar sí . Los actos más formidables ( Guns N ‘Roses , Metallica , Aerosmith ) trascendieron las modas, convirtiéndose en bandas de estadio. Aún así, en su mayor parte, los fanáticos del rock desviaron su atención hacia el grunge, con Nevermind y su seguimiento, In Utero , sirviendo como puerta de entrada a otras bandas relacionadas con la escena: ex compañeros de sello Mudhoney, el Soundgarden inspirado en el metal , clásico- los rockeros en ciernes Pearl Jam y la más sombría Alice In Chains. Por no hablar de los grupos Bush, Stone Temple Pilots y un rock previo al arte, Radiohead, que no son de Seattle, todos ellos esencialmente destilaciones de lo anterior.
El grunge estaba rotundamente dominado por los hombres. Independientemente, Hole (liderado por la esposa de Cobain, Courtney Love, una provocadora con una propensión a zambullirse en el escenario) logró beneficiarse enormemente de la popularidad del grunge. El álbum revolucionario del grupo, el lanzamiento con el nombre profético Live Through This , se lanzó en 1994, apenas una semana después de la muerte de Cobain. Celebrity Skin , su secuela de 1998, terminó siendo su álbum más vendido.
Chicas al frente
La mayoría de las bandas de rock lideradas por mujeres no se registraron tan bien, pero sí negociaron con una moneda cultural que produjo una vibrante escena de rock feminista. Hole llamó la atención sobre los contemporáneos de Love, incluidos Bikini Kill, Babes In Toyland, Bratmobile y, más tarde, Sleater-Kinney. Luego estaba L7. L7 (junto con Mudhoney), todos riffs voladores en V, cabellos que golpean la cabeza y letras de “jódete”, ayudaron a ser pioneros en el grunge antes de que el grunge estallara. Y después de que lo hiciera, el álbum de 1992 del grupo, Bricks Are Heavy , ganó elogios por marcar hábilmente la línea entre los mundos grunge, alternativo y riot grrrl.
Hacia el final de la década, un aumento del feminismo (y del poder adquisitivo de las mujeres) en la música de los noventa iría subiendo en las listas de éxitos. Esto condujo a una explosión de cantautores multiplatino: Sarah McLachlan, Alanis Morissette, Sheryl Crow , Lisa Loeb, Paula Cole, Fiona Apple, Jewel y la única mujer de color, Tracy Chapman. Todo lo anterior (menos Morissette) también apareció en la gira inaugural de Lilith Fair, la respuesta de McLachlan a Lollapalooza . Se convirtió en el festival itinerante más vendido de 1997.
La contracultura se generaliza
El mayor impacto del grunge en la música de los 90 fue que normalizó lo que alguna vez se consideró contracultural. De repente, los oyentes de música en el medio del camino se vieron empujados a explorar lo que alguna vez se consideró el dominio de los fanáticos de la música independiente, que inicialmente vieron a estos recién llegados como intrusos. Sonic Youth , ídolos de innumerables bandas de punk, incluida Nirvana, que había abierto para ellos en Europa justo antes de que Nevermind explotara, finalmente estaban recibiendo radio y transmisión de MTV. Pixies y REM , que ya eran muy respetados en el underground, también aumentaron su base de fans, junto con recién llegados con ideas afines como Pavement, Elliott Smith , Weezer y Beck .
Mientras tanto, la escena alt.rock más ruidosa asumió el espacio dejado por el heavy metal. La música industrial ‘s Nine Inch Nails y Marilyn Manson , Rage de rap-rock Against the Machine y Faith No More, el funk-céntrico de Red Hot Chili Peppers y Primus, así como la roca trascendente de The Smashing Pumpkins y el apego de Jane – en mayúsculas en la nueva sed de angustia. En este nuevo entorno, incluso una reedición de ‘Mother’, de la bestia distópica del goth-metal Glenn Danzig, se convirtió en un éxito. Perry Farrell, el excéntrico líder de Jane’s Addiction, se convirtió en un nexo para este fenómeno en la música de los 90 cuando creó el entonces quijotesco festival Lollapalooza (su nombre es un corte profundo del diccionario Webster que significa “extraordinariamente impresionante”) en el auspicioso año de 1991.
Después de una década de narrativas de deportistas contra nerds, ser raro se volvió genial, con la influencia del grunge impregnando la estética de la moda. Películas como Singles centrados en Seattle de Cameron Crowe, Reality Bites de Ben Stiller y Empire Records de Allan Moyle saltaron a bordo para celebrar las virtudes de los forasteros.
A medida que la trayectoria de la música de los noventa continuaba siendo remodelada por el grunge, el género en sí comenzó a decaer a mediados de la década. Algunas bandas influyentes lucharon con problemas catastróficos de abuso de sustancias. Otros sintieron un desencanto al convertirse en parte del establecimiento por el que trabajaron tan duro para superar. Los progenitores que sobrevivieron, Soundgarden y Pearl Jam, por ejemplo, cambiaron sus sonidos. Este último fue un paso más allá: simplemente detuvieron la máquina negándose a hacer videos musicales. Y en un movimiento aún más valiente, Pearl Jam se negó a trabajar con el gigante de los eventos Ticketmaster.
El auge del Britpop
En el Reino Unido, la toma de posesión del grunge en las listas de éxitos de principios de los 90 creó una reacción violenta en forma de Britpop. No es coincidencia que el segundo álbum de Blur, que define el sonido, se titulara Modern Life Is Rubbish (o que su título alternativo fuera Britain Versus America ). El movimiento Cool Britannia se remonta a los años 60 y la fértil escena musical que cultivó, haciendo referencia a leyendas de la música como The Jam , The Kinks y The Who.
Blur abrió el camino para la música de los noventa en el Reino Unido, aunque en feroz competencia con sus pares que definen el género Suede, cuyo debut homónimo apareció en 1993. En 1994, Blur había lanzado el seminal Parklife y toda una escena. acorralados a su alrededor, produciendo algunos álbumes excepcionales: el ingenioso Different Class de Pulp, el LP homónimo indie-cool de Elastica, el alegre pop de Supergrass I Should Coco, y el rock sencillo de Oasis, Definitely Maybe, de los nuevos rivales. La mala sangre entre Blur y Oasis subrayó infamemente Battle Of Britpop de 1995, una competencia de singles no oficial en la que ambos grupos lanzaron una pista el mismo día. Una versión moderna de mods versus rockers, la prensa que lo rodeaba era nada menos que vertiginosa, enmarcándolo como un tira y afloja entre bandas de clase media y clase trabajadora.
Los 90: ¿La década que no encaja?
A diferencia de la mayoría de las otras épocas, la noción de música de los 90 es difícil de precisar. Extraña y ecléctica, la década desafía la categorización fácil, pero es esta polinización cruzada de sonidos lo que dejó un legado que rompe los límites que permanece hoy.
Publicado en 10 de junio de 2019
En A Hard Day’s Night , la excepcional y alocada película de 1964 protagonizada por The Beatles , un periodista le pregunta a Ringo Starr : “¿Eres un mod o un rockero?” Se refiere a las subculturas musicales británicas en guerra desde hace mucho tiempo, también capturadas con ansiosa sinceridad una década más tarde en The Who ‘s Quadrophenia . El baterista de los Beatles responde con un acrónimo bastante hábil: “Um, no, soy un burlón”. El chiste es: no hay forma de que puedas ser ambos.
Pero, 30 años después, en el amplio paisaje sonoro que fue la industria de la música de los 90, tal postura parecería ridícula. La belleza de esa década fue que podías ser mod, rockero, explorador del hip-hop, fan del R&B y del country, todo al mismo tiempo. Porque la noción de lo que era la música popular había cambiado radicalmente.
Mientras lees, escucha nuestra lista de reproducción de música de los noventa aquí .
Vino el grunge
La bola curva más grande que nos arrojó la música de los 90 fue, por supuesto, el grunge. En el período previo a su punto de inflexión ( Nirvana ‘s No importa , la música basada en la guitarra) más o menos cayó en tres categorías: Rock alternativo, cartas de crédito de rock clásico y una escena del metal cabello ya con atenuación. Estaba tan perdido que 1989 también marcó el curioso año en que Jethro Tull ganó el Grammy al mejor hard-rock / metal .
Aún así, en ese momento, el impacto de MTV como árbitro de la cultura juvenil no podía subestimarse. El video de ‘Smells Like Teen Spirit’ de Nirvana se estrenó silenciosamente en 120 Minutes , el hijastro nocturno de la cadena, y fue casi exótico en su traición a las convenciones visuales del canal. Era oscuro, cínico y tan directo “Me importa un carajo” de una manera que los actos de hard rock conscientes de sí mismos de la industria fundamentalmente no lo eran. Pero lo que hace de Nirvana un gran microcosmos de la música de los 90 es que su sonido no tiene un alcance singular. Hacía referencia a todo, desde punk hasta garage rock, indie pop, country y blues.
El heavy metal no desapareció; que acaba de reconfigurar sí . Los actos más formidables ( Guns N ‘Roses , Metallica , Aerosmith ) trascendieron las modas, convirtiéndose en bandas de estadio. Aún así, en su mayor parte, los fanáticos del rock desviaron su atención hacia el grunge, con Nevermind y su seguimiento, In Utero , sirviendo como puerta de entrada a otras bandas relacionadas con la escena: ex compañeros de sello Mudhoney, el Soundgarden inspirado en el metal , clásico- los rockeros en ciernes Pearl Jam y la más sombría Alice In Chains. Por no hablar de los grupos Bush, Stone Temple Pilots y un rock previo al arte, Radiohead, que no son de Seattle, todos ellos esencialmente destilaciones de lo anterior.
El grunge estaba rotundamente dominado por los hombres. Independientemente, Hole (liderado por la esposa de Cobain, Courtney Love, una provocadora con una propensión a zambullirse en el escenario) logró beneficiarse enormemente de la popularidad del grunge. El álbum revolucionario del grupo, el lanzamiento con el nombre profético Live Through This , se lanzó en 1994, apenas una semana después de la muerte de Cobain. Celebrity Skin , su secuela de 1998, terminó siendo su álbum más vendido.
Chicas al frente
La mayoría de las bandas de rock lideradas por mujeres no se registraron tan bien, pero sí negociaron con una moneda cultural que produjo una vibrante escena de rock feminista. Hole llamó la atención sobre los contemporáneos de Love, incluidos Bikini Kill, Babes In Toyland, Bratmobile y, más tarde, Sleater-Kinney. Luego estaba L7. L7 (junto con Mudhoney), todos riffs voladores en V, cabellos que golpean la cabeza y letras de “jódete”, ayudaron a ser pioneros en el grunge antes de que el grunge estallara. Y después de que lo hiciera, el álbum de 1992 del grupo, Bricks Are Heavy , ganó elogios por marcar hábilmente la línea entre los mundos grunge, alternativo y riot grrrl.
Hacia el final de la década, un aumento del feminismo (y del poder adquisitivo de las mujeres) en la música de los noventa iría subiendo en las listas de éxitos. Esto condujo a una explosión de cantautores multiplatino: Sarah McLachlan, Alanis Morissette, Sheryl Crow , Lisa Loeb, Paula Cole, Fiona Apple, Jewel y la única mujer de color, Tracy Chapman. Todo lo anterior (menos Morissette) también apareció en la gira inaugural de Lilith Fair, la respuesta de McLachlan a Lollapalooza . Se convirtió en el festival itinerante más vendido de 1997.
La contracultura se generaliza
El mayor impacto del grunge en la música de los 90 fue que normalizó lo que alguna vez se consideró contracultural. De repente, los oyentes de música en el medio del camino se vieron empujados a explorar lo que alguna vez se consideró el dominio de los fanáticos de la música independiente, que inicialmente vieron a estos recién llegados como intrusos. Sonic Youth , ídolos de innumerables bandas de punk, incluida Nirvana, que había abierto para ellos en Europa justo antes de que Nevermind explotara, finalmente estaban recibiendo radio y transmisión de MTV. Pixies y REM , que ya eran muy respetados en el underground, también aumentaron su base de fans, junto con recién llegados con ideas afines como Pavement, Elliott Smith , Weezer y Beck .
Mientras tanto, la escena alt.rock más ruidosa asumió el espacio dejado por el heavy metal. La música industrial ‘s Nine Inch Nails y Marilyn Manson , Rage de rap-rock Against the Machine y Faith No More, el funk-céntrico de Red Hot Chili Peppers y Primus, así como la roca trascendente de The Smashing Pumpkins y el apego de Jane – en mayúsculas en la nueva sed de angustia. En este nuevo entorno, incluso una reedición de ‘Mother’, de la bestia distópica del goth-metal Glenn Danzig, se convirtió en un éxito. Perry Farrell, el excéntrico líder de Jane’s Addiction, se convirtió en un nexo para este fenómeno en la música de los 90 cuando creó el entonces quijotesco festival Lollapalooza (su nombre es un corte profundo del diccionario Webster que significa “extraordinariamente impresionante”) en el auspicioso año de 1991.
Después de una década de narrativas de deportistas contra nerds, ser raro se volvió genial, con la influencia del grunge impregnando la estética de la moda. Películas como Singles centrados en Seattle de Cameron Crowe, Reality Bites de Ben Stiller y Empire Records de Allan Moyle saltaron a bordo para celebrar las virtudes de los forasteros.
A medida que la trayectoria de la música de los noventa continuaba siendo remodelada por el grunge, el género en sí comenzó a decaer a mediados de la década. Algunas bandas influyentes lucharon con problemas catastróficos de abuso de sustancias. Otros sintieron un desencanto al convertirse en parte del establecimiento por el que trabajaron tan duro para superar. Los progenitores que sobrevivieron, Soundgarden y Pearl Jam, por ejemplo, cambiaron sus sonidos. Este último fue un paso más allá: simplemente detuvieron la máquina negándose a hacer videos musicales. Y en un movimiento aún más valiente, Pearl Jam se negó a trabajar con el gigante de los eventos Ticketmaster.
El auge del Britpop
En el Reino Unido, la toma de posesión del grunge en las listas de éxitos de principios de los 90 creó una reacción violenta en forma de Britpop. No es coincidencia que el segundo álbum de Blur, que define el sonido, se titulara Modern Life Is Rubbish (o que su título alternativo fuera Britain Versus America ). El movimiento Cool Britannia se remonta a los años 60 y la fértil escena musical que cultivó, haciendo referencia a leyendas de la música como The Jam , The Kinks y The Who.
Blur abrió el camino para la música de los noventa en el Reino Unido, aunque en feroz competencia con sus pares que definen el género Suede, cuyo debut homónimo apareció en 1993. En 1994, Blur había lanzado el seminal Parklife y toda una escena. acorralados a su alrededor, produciendo algunos álbumes excepcionales: el ingenioso Different Class de Pulp, el LP homónimo indie-cool de Elastica, el alegre pop de Supergrass I Should Coco, y el rock sencillo de Oasis, Definitely Maybe, de los nuevos rivales. La mala sangre entre Blur y Oasis subrayó infamemente Battle Of Britpop de 1995, una competencia de singles no oficial en la que ambos grupos lanzaron una pista el mismo día. Una versión moderna de mods versus rockers, la prensa que lo rodeaba era nada menos que vertiginosa, enmarcándolo como un tira y afloja entre bandas de clase media y clase trabajadora.
Al final, “Country House” de Blur vendió más que “Roll With It” de Oasis. Pero dentro de un año, Oasis alcanzó una asombrosa fama internacional e incluso rompió a América, que eludió a Blur. Esto culminó con dos espectáculos con entradas agotadas en Knebworth Park, lo que resultó en el concierto al aire libre más grande de Inglaterra. Fue una bolsa mixta: el evento también marcó el rápido declive del Britpop, que, como el grunge, había alcanzado un punto de saturación. Las teorías de la sentencia de muerte incluyen: la sobreexposición de Oasis y la lucha dentro de la banda; Blur haciendo un álbum de baja fidelidad; e incluso las Spice Girls cooptando y diluyendo una imagen centrada en el británico para la fama mundial.
Asumiendo el manto del rock and roll
De vuelta en los EE. UU., Los artistas post-grunge asumieron el manto del rock empujando el género hacia un estilo menos destructivo de cavilar a través de melenas de pelo largo como Collective Soul, Candlebox, Goo Goo Dolls, Creed, Silverchair e Incubus. En respuesta (y debido a la fatiga de la angustia), una variedad de coloridos actos de ska y pop-punk, No Doubt , Blink-182 , Green Day y Rancid, se deshicieron de las listas. En particular, la muerte prematura del cantante Brad Nowell ayudó al álbum homónimo de Sublime a mover más de cinco millones de CD a finales de la década. Había longevidad en ese sonido brillante, lo que aseguró el éxito de muchas de esas bandas en la próxima década.
Un cambio tecnológico
Volviendo a 1991, también hubo un desarrollo fundamental en la industria de la música, más allá del grunge, que cambió indeleblemente los gustos musicales durante décadas. Este fue el año en que Billboard actualizó los gráficos para reflejar las cifras de ventas reales de SoundScan . Hasta ese momento, las clasificaciones de los gráficos estaban determinadas por las proyecciones de los empleados y gerentes de las tiendas de discos. Esas “conjeturas” estaban con frecuencia sesgadas en el género y no siempre reflejaban el consumo público. Eliminar eso casi de inmediato hizo que las listas fueran más diversas en cuanto a géneros.
Los dulces para adolescentes , un atractivo mercado resistente, nunca desaparecieron. Los fanáticos de Backstreet Boys y NSync, y, más tarde, Britney Spears y Christina Aguilera, continuaron haciendo una mella significativa en las ventas. Y la incondicional demografía adulta contemporánea convirtió a Kenny G, Whitney Houston, Michael Bolton y Céline Dion en megaestrellas. Entonces las cosas se pusieron interesantes.
Ofertas más terrenales como Hootie & The Blowfish y Blues Traveller parecían surgir repentinamente de la nada. El gran éxito de la leyenda tejana Selena , una vez relegada al mundo latino, comenzó a aparecer en las listas de popularidad. Y Garth Brooks se convirtió en un referente improbable de lo que vendrá. Su álbum de 1991, Ropin ‘The Wind , lanzado pocos meses después de la implementación de SoundScan, marcó la primera vez que un artista country alcanzó el número 1 en la lista de álbumes Billboard 200.
Los 90: ¿La década que no encaja?
A diferencia de la mayoría de las otras épocas, la noción de música de los 90 es difícil de precisar. Extraña y ecléctica, la década desafía la categorización fácil, pero es esta polinización cruzada de sonidos lo que dejó un legado que rompe los límites que permanece hoy.
Publicado en 10 de junio de 2019
En A Hard Day’s Night , la excepcional y alocada película de 1964 protagonizada por The Beatles , un periodista le pregunta a Ringo Starr : “¿Eres un mod o un rockero?” Se refiere a las subculturas musicales británicas en guerra desde hace mucho tiempo, también capturadas con ansiosa sinceridad una década más tarde en The Who ‘s Quadrophenia . El baterista de los Beatles responde con un acrónimo bastante hábil: “Um, no, soy un burlón”. El chiste es: no hay forma de que puedas ser ambos.
Pero, 30 años después, en el amplio paisaje sonoro que fue la industria de la música de los 90, tal postura parecería ridícula. La belleza de esa década fue que podías ser mod, rockero, explorador del hip-hop, fan del R&B y del country, todo al mismo tiempo. Porque la noción de lo que era la música popular había cambiado radicalmente.
Mientras lees, escucha nuestra lista de reproducción de música de los noventa aquí .
Vino el grunge
La bola curva más grande que nos arrojó la música de los 90 fue, por supuesto, el grunge. En el período previo a su punto de inflexión ( Nirvana ‘s No importa , la música basada en la guitarra) más o menos cayó en tres categorías: Rock alternativo, cartas de crédito de rock clásico y una escena del metal cabello ya con atenuación. Estaba tan perdido que 1989 también marcó el curioso año en que Jethro Tull ganó el Grammy al mejor hard-rock / metal .
Aún así, en ese momento, el impacto de MTV como árbitro de la cultura juvenil no podía subestimarse. El video de ‘Smells Like Teen Spirit’ de Nirvana se estrenó silenciosamente en 120 Minutes , el hijastro nocturno de la cadena, y fue casi exótico en su traición a las convenciones visuales del canal. Era oscuro, cínico y tan directo “Me importa un carajo” de una manera que los actos de hard rock conscientes de sí mismos de la industria fundamentalmente no lo eran. Pero lo que hace de Nirvana un gran microcosmos de la música de los 90 es que su sonido no tiene un alcance singular. Hacía referencia a todo, desde punk hasta garage rock, indie pop, country y blues.
El heavy metal no desapareció; que acaba de reconfigurar sí . Los actos más formidables ( Guns N ‘Roses , Metallica , Aerosmith ) trascendieron las modas, convirtiéndose en bandas de estadio. Aún así, en su mayor parte, los fanáticos del rock desviaron su atención hacia el grunge, con Nevermind y su seguimiento, In Utero , sirviendo como puerta de entrada a otras bandas relacionadas con la escena: ex compañeros de sello Mudhoney, el Soundgarden inspirado en el metal , clásico- los rockeros en ciernes Pearl Jam y la más sombría Alice In Chains. Por no hablar de los grupos Bush, Stone Temple Pilots y un rock previo al arte, Radiohead, que no son de Seattle, todos ellos esencialmente destilaciones de lo anterior.
El grunge estaba rotundamente dominado por los hombres. Independientemente, Hole (liderado por la esposa de Cobain, Courtney Love, una provocadora con una propensión a zambullirse en el escenario) logró beneficiarse enormemente de la popularidad del grunge. El álbum revolucionario del grupo, el lanzamiento con el nombre profético Live Through This , se lanzó en 1994, apenas una semana después de la muerte de Cobain. Celebrity Skin , su secuela de 1998, terminó siendo su álbum más vendido.
Chicas al frente
La mayoría de las bandas de rock lideradas por mujeres no se registraron tan bien, pero sí negociaron con una moneda cultural que produjo una vibrante escena de rock feminista. Hole llamó la atención sobre los contemporáneos de Love, incluidos Bikini Kill, Babes In Toyland, Bratmobile y, más tarde, Sleater-Kinney. Luego estaba L7. L7 (junto con Mudhoney), todos riffs voladores en V, cabellos que golpean la cabeza y letras de “jódete”, ayudaron a ser pioneros en el grunge antes de que el grunge estallara. Y después de que lo hiciera, el álbum de 1992 del grupo, Bricks Are Heavy , ganó elogios por marcar hábilmente la línea entre los mundos grunge, alternativo y riot grrrl.
Hacia el final de la década, un aumento del feminismo (y del poder adquisitivo de las mujeres) en la música de los noventa iría subiendo en las listas de éxitos. Esto condujo a una explosión de cantautores multiplatino: Sarah McLachlan, Alanis Morissette, Sheryl Crow , Lisa Loeb, Paula Cole, Fiona Apple, Jewel y la única mujer de color, Tracy Chapman. Todo lo anterior (menos Morissette) también apareció en la gira inaugural de Lilith Fair, la respuesta de McLachlan a Lollapalooza . Se convirtió en el festival itinerante más vendido de 1997.
La contracultura se generaliza
El mayor impacto del grunge en la música de los 90 fue que normalizó lo que alguna vez se consideró contracultural. De repente, los oyentes de música en el medio del camino se vieron empujados a explorar lo que alguna vez se consideró el dominio de los fanáticos de la música independiente, que inicialmente vieron a estos recién llegados como intrusos. Sonic Youth , ídolos de innumerables bandas de punk, incluida Nirvana, que había abierto para ellos en Europa justo antes de que Nevermind explotara, finalmente estaban recibiendo radio y transmisión de MTV. Pixies y REM , que ya eran muy respetados en el underground, también aumentaron su base de fans, junto con recién llegados con ideas afines como Pavement, Elliott Smith , Weezer y Beck .
Mientras tanto, la escena alt.rock más ruidosa asumió el espacio dejado por el heavy metal. La música industrial ‘s Nine Inch Nails y Marilyn Manson , Rage de rap-rock Against the Machine y Faith No More, el funk-céntrico de Red Hot Chili Peppers y Primus, así como la roca trascendente de The Smashing Pumpkins y el apego de Jane – en mayúsculas en la nueva sed de angustia. En este nuevo entorno, incluso una reedición de ‘Mother’, de la bestia distópica del goth-metal Glenn Danzig, se convirtió en un éxito. Perry Farrell, el excéntrico líder de Jane’s Addiction, se convirtió en un nexo para este fenómeno en la música de los 90 cuando creó el entonces quijotesco festival Lollapalooza (su nombre es un corte profundo del diccionario Webster que significa “extraordinariamente impresionante”) en el auspicioso año de 1991.
Después de una década de narrativas de deportistas contra nerds, ser raro se volvió genial, con la influencia del grunge impregnando la estética de la moda. Películas como Singles centrados en Seattle de Cameron Crowe, Reality Bites de Ben Stiller y Empire Records de Allan Moyle saltaron a bordo para celebrar las virtudes de los forasteros.
A medida que la trayectoria de la música de los noventa continuaba siendo remodelada por el grunge, el género en sí comenzó a decaer a mediados de la década. Algunas bandas influyentes lucharon con problemas catastróficos de abuso de sustancias. Otros sintieron un desencanto al convertirse en parte del establecimiento por el que trabajaron tan duro para superar. Los progenitores que sobrevivieron, Soundgarden y Pearl Jam, por ejemplo, cambiaron sus sonidos. Este último fue un paso más allá: simplemente detuvieron la máquina negándose a hacer videos musicales. Y en un movimiento aún más valiente, Pearl Jam se negó a trabajar con el gigante de los eventos Ticketmaster.
El auge del Britpop
En el Reino Unido, la toma de posesión del grunge en las listas de éxitos de principios de los 90 creó una reacción violenta en forma de Britpop. No es coincidencia que el segundo álbum de Blur, que define el sonido, se titulara Modern Life Is Rubbish (o que su título alternativo fuera Britain Versus America ). El movimiento Cool Britannia se remonta a los años 60 y la fértil escena musical que cultivó, haciendo referencia a leyendas de la música como The Jam , The Kinks y The Who.
Blur abrió el camino para la música de los noventa en el Reino Unido, aunque en feroz competencia con sus pares que definen el género Suede, cuyo debut homónimo apareció en 1993. En 1994, Blur había lanzado el seminal Parklife y toda una escena. acorralados a su alrededor, produciendo algunos álbumes excepcionales: el ingenioso Different Class de Pulp, el LP homónimo indie-cool de Elastica, el alegre pop de Supergrass I Should Coco, y el rock sencillo de Oasis, Definitely Maybe, de los nuevos rivales. La mala sangre entre Blur y Oasis subrayó infamemente Battle Of Britpop de 1995, una competencia de singles no oficial en la que ambos grupos lanzaron una pista el mismo día. Una versión moderna de mods versus rockers, la prensa que lo rodeaba era nada menos que vertiginosa, enmarcándolo como un tira y afloja entre bandas de clase media y clase trabajadora.
Al final, “Country House” de Blur vendió más que “Roll With It” de Oasis. Pero dentro de un año, Oasis alcanzó una asombrosa fama internacional e incluso rompió a América, que eludió a Blur. Esto culminó con dos espectáculos con entradas agotadas en Knebworth Park, lo que resultó en el concierto al aire libre más grande de Inglaterra. Fue una bolsa mixta: el evento también marcó el rápido declive del Britpop, que, como el grunge, había alcanzado un punto de saturación. Las teorías de la sentencia de muerte incluyen: la sobreexposición de Oasis y la lucha dentro de la banda; Blur haciendo un álbum de baja fidelidad; e incluso las Spice Girls cooptando y diluyendo una imagen centrada en el británico para la fama mundial.
Asumiendo el manto del rock and roll
De vuelta en los EE. UU., Los artistas post-grunge asumieron el manto del rock empujando el género hacia un estilo menos destructivo de cavilar a través de melenas de pelo largo como Collective Soul, Candlebox, Goo Goo Dolls, Creed, Silverchair e Incubus. En respuesta (y debido a la fatiga de la angustia), una variedad de coloridos actos de ska y pop-punk, No Doubt , Blink-182 , Green Day y Rancid, se deshicieron de las listas. En particular, la muerte prematura del cantante Brad Nowell ayudó al álbum homónimo de Sublime a mover más de cinco millones de CD a finales de la década. Había longevidad en ese sonido brillante, lo que aseguró el éxito de muchas de esas bandas en la próxima década.
Un cambio tecnológico
Volviendo a 1991, también hubo un desarrollo fundamental en la industria de la música, más allá del grunge, que cambió indeleblemente los gustos musicales durante décadas. Este fue el año en que Billboard actualizó los gráficos para reflejar las cifras de ventas reales de SoundScan . Hasta ese momento, las clasificaciones de los gráficos estaban determinadas por las proyecciones de los empleados y gerentes de las tiendas de discos. Esas “conjeturas” estaban con frecuencia sesgadas en el género y no siempre reflejaban el consumo público. Eliminar eso casi de inmediato hizo que las listas fueran más diversas en cuanto a géneros.
Los dulces para adolescentes , un atractivo mercado resistente, nunca desaparecieron. Los fanáticos de Backstreet Boys y NSync, y, más tarde, Britney Spears y Christina Aguilera, continuaron haciendo una mella significativa en las ventas. Y la incondicional demografía adulta contemporánea convirtió a Kenny G, Whitney Houston, Michael Bolton y Céline Dion en megaestrellas. Entonces las cosas se pusieron interesantes.
Ofertas más terrenales como Hootie & The Blowfish y Blues Traveller parecían surgir repentinamente de la nada. El gran éxito de la leyenda tejana Selena , una vez relegada al mundo latino, comenzó a aparecer en las listas de popularidad. Y Garth Brooks se convirtió en un referente improbable de lo que vendrá. Su álbum de 1991, Ropin ‘The Wind , lanzado pocos meses después de la implementación de SoundScan, marcó la primera vez que un artista country alcanzó el número 1 en la lista de álbumes Billboard 200.
Los recién llegados Billy Ray Cyrus y Tim McGraw pronto lo siguieron, al igual que un repunte palpable en el interés de artistas establecidos ( George Strait , Reba McEntire, Alan Jackson , Vince Gill y Clint Black). Y, en 1995, gracias al enorme y multiplatino The Woman In Me de Shania Twain , el country-pop se convirtió en su propio género protagonizado por mujeres, dominado también por Dixie Chicks, Faith Hill y LeAnn Rimes.
El hip-hop se vuelve conmovedor
Pero la nueva contabilidad de Billboard en realidad tuvo su mayor impacto en el R&B y el hip-hop, revelando la creciente relación de los dos géneros entre sí. Los años 90 empezaron con New Jack Swing en pleno efecto, siendo sus proveedores más eficaces Bell Biv DeVoe, Al B Sure, Keith Sweat y Boys II Men. Cuando New Jack Swing decayó, el R&B adoptó un sonido de soul y groove tipificado por Janet Jackson , D’Angelo , Erykah Badu, Usher, Toni Braxton y Mary J. Blige .
Los 90: ¿La década que no encaja?
A diferencia de la mayoría de las otras épocas, la noción de música de los 90 es difícil de precisar. Extraña y ecléctica, la década desafía la categorización fácil, pero es esta polinización cruzada de sonidos lo que dejó un legado que rompe los límites que permanece hoy.
Publicado en 10 de junio de 2019
En A Hard Day’s Night , la excepcional y alocada película de 1964 protagonizada por The Beatles , un periodista le pregunta a Ringo Starr : “¿Eres un mod o un rockero?” Se refiere a las subculturas musicales británicas en guerra desde hace mucho tiempo, también capturadas con ansiosa sinceridad una década más tarde en The Who ‘s Quadrophenia . El baterista de los Beatles responde con un acrónimo bastante hábil: “Um, no, soy un burlón”. El chiste es: no hay forma de que puedas ser ambos.
Pero, 30 años después, en el amplio paisaje sonoro que fue la industria de la música de los 90, tal postura parecería ridícula. La belleza de esa década fue que podías ser mod, rockero, explorador del hip-hop, fan del R&B y del country, todo al mismo tiempo. Porque la noción de lo que era la música popular había cambiado radicalmente.
Mientras lees, escucha nuestra lista de reproducción de música de los noventa aquí .
Vino el grunge
La bola curva más grande que nos arrojó la música de los 90 fue, por supuesto, el grunge. En el período previo a su punto de inflexión ( Nirvana ‘s No importa , la música basada en la guitarra) más o menos cayó en tres categorías: Rock alternativo, cartas de crédito de rock clásico y una escena del metal cabello ya con atenuación. Estaba tan perdido que 1989 también marcó el curioso año en que Jethro Tull ganó el Grammy al mejor hard-rock / metal .
Aún así, en ese momento, el impacto de MTV como árbitro de la cultura juvenil no podía subestimarse. El video de ‘Smells Like Teen Spirit’ de Nirvana se estrenó silenciosamente en 120 Minutes , el hijastro nocturno de la cadena, y fue casi exótico en su traición a las convenciones visuales del canal. Era oscuro, cínico y tan directo “Me importa un carajo” de una manera que los actos de hard rock conscientes de sí mismos de la industria fundamentalmente no lo eran. Pero lo que hace de Nirvana un gran microcosmos de la música de los 90 es que su sonido no tiene un alcance singular. Hacía referencia a todo, desde punk hasta garage rock, indie pop, country y blues.
El heavy metal no desapareció; que acaba de reconfigurar sí . Los actos más formidables ( Guns N ‘Roses , Metallica , Aerosmith ) trascendieron las modas, convirtiéndose en bandas de estadio. Aún así, en su mayor parte, los fanáticos del rock desviaron su atención hacia el grunge, con Nevermind y su seguimiento, In Utero , sirviendo como puerta de entrada a otras bandas relacionadas con la escena: ex compañeros de sello Mudhoney, el Soundgarden inspirado en el metal , clásico- los rockeros en ciernes Pearl Jam y la más sombría Alice In Chains. Por no hablar de los grupos Bush, Stone Temple Pilots y un rock previo al arte, Radiohead, que no son de Seattle, todos ellos esencialmente destilaciones de lo anterior.
El grunge estaba rotundamente dominado por los hombres. Independientemente, Hole (liderado por la esposa de Cobain, Courtney Love, una provocadora con una propensión a zambullirse en el escenario) logró beneficiarse enormemente de la popularidad del grunge. El álbum revolucionario del grupo, el lanzamiento con el nombre profético Live Through This , se lanzó en 1994, apenas una semana después de la muerte de Cobain. Celebrity Skin , su secuela de 1998, terminó siendo su álbum más vendido.
Chicas al frente
La mayoría de las bandas de rock lideradas por mujeres no se registraron tan bien, pero sí negociaron con una moneda cultural que produjo una vibrante escena de rock feminista. Hole llamó la atención sobre los contemporáneos de Love, incluidos Bikini Kill, Babes In Toyland, Bratmobile y, más tarde, Sleater-Kinney. Luego estaba L7. L7 (junto con Mudhoney), todos riffs voladores en V, cabellos que golpean la cabeza y letras de “jódete”, ayudaron a ser pioneros en el grunge antes de que el grunge estallara. Y después de que lo hiciera, el álbum de 1992 del grupo, Bricks Are Heavy , ganó elogios por marcar hábilmente la línea entre los mundos grunge, alternativo y riot grrrl.
Hacia el final de la década, un aumento del feminismo (y del poder adquisitivo de las mujeres) en la música de los noventa iría subiendo en las listas de éxitos. Esto condujo a una explosión de cantautores multiplatino: Sarah McLachlan, Alanis Morissette, Sheryl Crow , Lisa Loeb, Paula Cole, Fiona Apple, Jewel y la única mujer de color, Tracy Chapman. Todo lo anterior (menos Morissette) también apareció en la gira inaugural de Lilith Fair, la respuesta de McLachlan a Lollapalooza . Se convirtió en el festival itinerante más vendido de 1997.
La contracultura se generaliza
El mayor impacto del grunge en la música de los 90 fue que normalizó lo que alguna vez se consideró contracultural. De repente, los oyentes de música en el medio del camino se vieron empujados a explorar lo que alguna vez se consideró el dominio de los fanáticos de la música independiente, que inicialmente vieron a estos recién llegados como intrusos. Sonic Youth , ídolos de innumerables bandas de punk, incluida Nirvana, que había abierto para ellos en Europa justo antes de que Nevermind explotara, finalmente estaban recibiendo radio y transmisión de MTV. Pixies y REM , que ya eran muy respetados en el underground, también aumentaron su base de fans, junto con recién llegados con ideas afines como Pavement, Elliott Smith , Weezer y Beck .
Mientras tanto, la escena alt.rock más ruidosa asumió el espacio dejado por el heavy metal. La música industrial ‘s Nine Inch Nails y Marilyn Manson , Rage de rap-rock Against the Machine y Faith No More, el funk-céntrico de Red Hot Chili Peppers y Primus, así como la roca trascendente de The Smashing Pumpkins y el apego de Jane – en mayúsculas en la nueva sed de angustia. En este nuevo entorno, incluso una reedición de ‘Mother’, de la bestia distópica del goth-metal Glenn Danzig, se convirtió en un éxito. Perry Farrell, el excéntrico líder de Jane’s Addiction, se convirtió en un nexo para este fenómeno en la música de los 90 cuando creó el entonces quijotesco festival Lollapalooza (su nombre es un corte profundo del diccionario Webster que significa “extraordinariamente impresionante”) en el auspicioso año de 1991.
Después de una década de narrativas de deportistas contra nerds, ser raro se volvió genial, con la influencia del grunge impregnando la estética de la moda. Películas como Singles centrados en Seattle de Cameron Crowe, Reality Bites de Ben Stiller y Empire Records de Allan Moyle saltaron a bordo para celebrar las virtudes de los forasteros.
A medida que la trayectoria de la música de los noventa continuaba siendo remodelada por el grunge, el género en sí comenzó a decaer a mediados de la década. Algunas bandas influyentes lucharon con problemas catastróficos de abuso de sustancias. Otros sintieron un desencanto al convertirse en parte del establecimiento por el que trabajaron tan duro para superar. Los progenitores que sobrevivieron, Soundgarden y Pearl Jam, por ejemplo, cambiaron sus sonidos. Este último fue un paso más allá: simplemente detuvieron la máquina negándose a hacer videos musicales. Y en un movimiento aún más valiente, Pearl Jam se negó a trabajar con el gigante de los eventos Ticketmaster.
El auge del Britpop
En el Reino Unido, la toma de posesión del grunge en las listas de éxitos de principios de los 90 creó una reacción violenta en forma de Britpop. No es coincidencia que el segundo álbum de Blur, que define el sonido, se titulara Modern Life Is Rubbish (o que su título alternativo fuera Britain Versus America ). El movimiento Cool Britannia se remonta a los años 60 y la fértil escena musical que cultivó, haciendo referencia a leyendas de la música como The Jam , The Kinks y The Who.
Blur abrió el camino para la música de los noventa en el Reino Unido, aunque en feroz competencia con sus pares que definen el género Suede, cuyo debut homónimo apareció en 1993. En 1994, Blur había lanzado el seminal Parklife y toda una escena. acorralados a su alrededor, produciendo algunos álbumes excepcionales: el ingenioso Different Class de Pulp, el LP homónimo indie-cool de Elastica, el alegre pop de Supergrass I Should Coco, y el rock sencillo de Oasis, Definitely Maybe, de los nuevos rivales. La mala sangre entre Blur y Oasis subrayó infamemente Battle Of Britpop de 1995, una competencia de singles no oficial en la que ambos grupos lanzaron una pista el mismo día. Una versión moderna de mods versus rockers, la prensa que lo rodeaba era nada menos que vertiginosa, enmarcándolo como un tira y afloja entre bandas de clase media y clase trabajadora.
Al final, “Country House” de Blur vendió más que “Roll With It” de Oasis. Pero dentro de un año, Oasis alcanzó una asombrosa fama internacional e incluso rompió a América, que eludió a Blur. Esto culminó con dos espectáculos con entradas agotadas en Knebworth Park, lo que resultó en el concierto al aire libre más grande de Inglaterra. Fue una bolsa mixta: el evento también marcó el rápido declive del Britpop, que, como el grunge, había alcanzado un punto de saturación. Las teorías de la sentencia de muerte incluyen: la sobreexposición de Oasis y la lucha dentro de la banda; Blur haciendo un álbum de baja fidelidad; e incluso las Spice Girls cooptando y diluyendo una imagen centrada en el británico para la fama mundial.
Asumiendo el manto del rock and roll
De vuelta en los EE. UU., Los artistas post-grunge asumieron el manto del rock empujando el género hacia un estilo menos destructivo de cavilar a través de melenas de pelo largo como Collective Soul, Candlebox, Goo Goo Dolls, Creed, Silverchair e Incubus. En respuesta (y debido a la fatiga de la angustia), una variedad de coloridos actos de ska y pop-punk, No Doubt , Blink-182 , Green Day y Rancid, se deshicieron de las listas. En particular, la muerte prematura del cantante Brad Nowell ayudó al álbum homónimo de Sublime a mover más de cinco millones de CD a finales de la década. Había longevidad en ese sonido brillante, lo que aseguró el éxito de muchas de esas bandas en la próxima década.
Un cambio tecnológico
Volviendo a 1991, también hubo un desarrollo fundamental en la industria de la música, más allá del grunge, que cambió indeleblemente los gustos musicales durante décadas. Este fue el año en que Billboard actualizó los gráficos para reflejar las cifras de ventas reales de SoundScan . Hasta ese momento, las clasificaciones de los gráficos estaban determinadas por las proyecciones de los empleados y gerentes de las tiendas de discos. Esas “conjeturas” estaban con frecuencia sesgadas en el género y no siempre reflejaban el consumo público. Eliminar eso casi de inmediato hizo que las listas fueran más diversas en cuanto a géneros.
Los dulces para adolescentes , un atractivo mercado resistente, nunca desaparecieron. Los fanáticos de Backstreet Boys y NSync, y, más tarde, Britney Spears y Christina Aguilera, continuaron haciendo una mella significativa en las ventas. Y la incondicional demografía adulta contemporánea convirtió a Kenny G, Whitney Houston, Michael Bolton y Céline Dion en megaestrellas. Entonces las cosas se pusieron interesantes.
Ofertas más terrenales como Hootie & The Blowfish y Blues Traveller parecían surgir repentinamente de la nada. El gran éxito de la leyenda tejana Selena , una vez relegada al mundo latino, comenzó a aparecer en las listas de popularidad. Y Garth Brooks se convirtió en un referente improbable de lo que vendrá. Su álbum de 1991, Ropin ‘The Wind , lanzado pocos meses después de la implementación de SoundScan, marcó la primera vez que un artista country alcanzó el número 1 en la lista de álbumes Billboard 200.
Los recién llegados Billy Ray Cyrus y Tim McGraw pronto lo siguieron, al igual que un repunte palpable en el interés de artistas establecidos ( George Strait , Reba McEntire, Alan Jackson , Vince Gill y Clint Black). Y, en 1995, gracias al enorme y multiplatino The Woman In Me de Shania Twain , el country-pop se convirtió en su propio género protagonizado por mujeres, dominado también por Dixie Chicks, Faith Hill y LeAnn Rimes.
El hip-hop se vuelve conmovedor
Pero la nueva contabilidad de Billboard en realidad tuvo su mayor impacto en el R&B y el hip-hop, revelando la creciente relación de los dos géneros entre sí. Los años 90 empezaron con New Jack Swing en pleno efecto, siendo sus proveedores más eficaces Bell Biv DeVoe, Al B Sure, Keith Sweat y Boys II Men. Cuando New Jack Swing decayó, el R&B adoptó un sonido de soul y groove tipificado por Janet Jackson , D’Angelo , Erykah Badu, Usher, Toni Braxton y Mary J. Blige .
Pero tenían algo de competencia. Durante los años 90, muchos grupos de rap llegaron no solo a las listas Hot 100, sino también a las listas de R&B de Billboard. Esto fue ayudado por cantantes como Lauryn Hill y TLC, quienes integraron el hip-hop en sus sonidos. En particular, la colaboración de Mariah Carey en 1995 con Ol ‘Dirty Bastard en’ Fantasy ‘se convirtió en un momento decisivo en este período de cruce en la música de los 90.
El hip-hop se había vuelto tan omnipresente porque era muy dinámico; su racha de crecimiento precipitó una intrigante variedad de subgéneros. Public Enemy , Queen Latifah, Arrested Development , A Tribe Called Quest, Cypress Hill y OutKast estaban trabajando intelectualmente sobre cuestiones sociales. Y Public Enemy obtuvo el sello de aprobación de la música alternativa con el cameo de Chuck D en ‘Kool Thing’ de Sonic Youth. Algunos raperos, como Salt-N-Pepa , MC Hammer, Coolio, Will Smith y, más tarde, Missy Elliot, se centraron en hacer canciones de himnos preparadas para las listas de éxitos. Otros agarraban a las masas por la yugular.
Cuando el hip-hop se hizo cargo
La década comenzó con los amigos del gangsta-rap Ice Cube y Eazy-E forjando sus propios caminos, con el ex compañero de banda de NWA, el Dr. Dre, innovando G-Funk a través de su monumental lanzamiento de 1992, The Chronic. Esto se convirtió en una pelea épica entre la costa este y la costa oeste (esencialmente, Bad Boy Records vs Death Row Records), durante el cual Warren G y Nate Dogg, Puffy Daddy, Jay Z, Nas, Wu-Tang Clan, Busta Rhymes, Snoop Dogg y Eminem todos encontraron la fama. De hecho, el Doggystyle de este último se convirtió en la primera vez que el primer álbum de un artista debutó en el número 1. Después de la muerte de Biggie Smalls y Tupac Shakur, el líder de Nation Of Islam, Louis Farrakhan, celebró una cumbre de paz en 1997, que terminó con Cube y Common abrazándose.
El rap fue un poco más pacífico y mucho más rentable después de eso. Este evento decisivo en la música de los 90 incluso preparó al género para el dominio absoluto que vemos hoy: un paisaje sonoro liderado por el hip hop que es una mezcla de rock, pop y R&B. No es una sola cosa; es todo. Y tal vez ese sea el verdadero legado de la música de los 90.